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Chagrin, dépression, culpabilité et mortalité à Maborosi

Tom Jolliffe revient sur le premier long métrage narratif d’Hirokazu Kore-eda, Maborosi de 1995 – une masterclass dans l’art de la narration subtile et méditative…

Hirokazu Koreeda a touché une corde sensible dans le monde entier ces dernières années avec le célèbre Shoplifters. Une représentation mélancolique, granuleuse et charmante de la famille et de la classe. Il a voyagé bien en dehors de son Japon natal et pour beaucoup, marquerait leur découverte de l’œuvre de Koreeda. Ancien réalisateur de documentaires, il a fait ses débuts dans la fiction narrative avec un autre film qui a suscité beaucoup de buzz et d’attention (bien qu’il n’ait pas été aussi largement reçu que Shoplifters en 2018) sous la forme de Maborosi. Le titre lui-même, se traduit par lumière fantasmatique (ou plus succinctement, truc de la lumière). La pertinence de cela est considérée comme une petite pépite dans le film, mais le deuil est au centre des débuts de Koreeda, d’une beauté saisissante et douloureuse.

Nous suivons Yukimo. Dans l’ouverture, elle est au milieu d’un cauchemar récurrent, à un moment de son passé (en tant que jeune fille) lorsque sa grand-mère malade s’enfuit et tente de rentrer chez elle (loin de la ville, où elle est prise en charge par sa progéniture). C’est le point de départ d’un personnage avec un lien inné avec la culpabilité. Elle a une incapacité distincte, semble-t-il, à lâcher froidement le poids inébranlable de son rôle dans les repères tragiques de sa vie. Au milieu de ces souvenirs d’ouverture, nous avons également une fenêtre sur sa relation de longue date avec Ikuo, un garçon local attaché à jamais à sa bicyclette. À l’heure actuelle, ils forment maintenant un couple d’adultes et un bébé est en route. Déjà Koreeda a, avec la subtilité la plus adroite, élaboré un regard intéressant sur la répression et la culpabilité. Ici aussi, dans la phase suivante du film, on voit essentiellement le déclin de la volonté d’Ikuo. C’est douloureusement dépeint. Il est là, pas d’une évidence frappante ni joué avec le moindre danger de frapper un mélodrame. Ikuo est retiré, distant. Il n’est pas toujours présent. Yukimo ne le voit pas tout à fait, même lorsqu’elle reconnaît sa tranquillité. Ils ont une proximité touchante, mais toujours compensée par cette distance croissante alors que l’esprit d’Ikuo s’égare de plus en plus.

Pour le public, il n’est peut-être pas surprenant, compte tenu de notre objectivité, qu’Ikuo finisse par mourir après un tragique accident le long d’une ligne de train. Il n’y a jamais de confirmation que c’était un suicide, mais une forte suggestion (dansé) qu’il aurait pu se suicider. La retenue et l’habileté avec lesquelles Koreeda dépeint la distance et le fatalisme croissants d’Ikuo (il déplore son âge et les perspectives de devenir garçon parmi les vieux collègues tristes qu’il rencontre). Le fait est aussi que le suicide chez les jeunes hommes est trop courant au Japon, et ce n’est certainement pas une idée sans vérité. Les antécédents documentaires de Koreeda exigent de l’honnêteté. Cela demande du réalisme et c’est quelque chose qu’il intègre pleinement dans son travail de cinéaste narratif. Morobosi, joue des choses avec une vraie distance contrôlée et met tellement l’accent sur l’immobilité et la tranquillité.

Sur le plan stylistique, alors que Koreeda garde sans aucun doute les choses d’une simplicité trompeuse, le film a une beauté frappante dans son cadrage et son éclairage. La majorité du film est constituée de plans fixes, avec parfois des steadicam ou des pistes placées à des moments spécifiques lorsque nous devons rester concentrés sur un personnage en mouvement (généralement Yukimo). Il n’y a rien de particulièrement élaboré ici, mais le film (notamment à cause de certains endroits) est magnifiquement tourné. Nous sommes donc dans un décor capturé de manière très naturaliste mais avec un regard filmique défini sur la mouche sur le mur. Cela ajoute au sentiment d’authenticité que nous avons à propos des personnages et des situations, aidé en outre par les acteurs approchant leurs rôles avec un euphémisme parfait. Makiko Esumi (Yukimo) dit très peu à travers une grande partie du film, en particulier après la mort d’Ikuo. Elle se retire dans une existence semblable à un ermite, finalement amenée par le veuf Tamio. Ils deviennent rapidement un objet et réunissent leurs unités parentales monoparentales respectives pour devenir une petite famille lorsqu’ils retournent dans la maison d’enfance rurale de Tamio. Yukimo nourrit toujours son chagrin et sa culpabilité, à cause d’Ikuo.

Son portrait d’un personnage soigneusement ramené au bonheur potentiel, mais toujours entraîné dans le désespoir est exquis. Nous commençons à voir un miroir de la nature retirée d’Ikuo avant, alors qu’elle devient de plus en plus distante avec Tamio. C’est une emprise légèrement différente de la dépression cependant, principalement motivée par le chagrin et la culpabilité sur le désespoir (bien qu’il y ait cet élément qui existe en elle, par rapport au sentiment qu’elle ne peut pas comprendre le raisonnement d’Ikuo). Comme dans la vie, il peut être impossible de comprendre pleinement l’état d’esprit d’un individu, sans la capacité de puiser directement dans ses sentiments. Bien sûr, le paradoxe ultime réside dans cette vérité, à savoir que même ces victimes individuelles ne comprennent souvent pas leurs propres sentiments. Des thèmes récurrents de la mort traversent le film, depuis son rêve récurrent d’ouverture avec la dernière rencontre de Yukimo avec sa grand-mère, jusqu’à assister à des funérailles locales dans un moment de solitude. La mortalité est incontournable. Le raisonnement est souvent impossible à obtenir. Il y a un sentiment d’épiphanie pour Yukimo à la fin. Non pas qu’elle ait la réponse sur la raison de la mort d’Ikuo, mais dans la métaphore (quelque chose en rapport avec le titre), il y a cette zone grise où une réponse peut se cacher, si cela a du sens.

Le style magnifiquement simple et intime de Koreeda a certainement des nuances d’Ozu. C’est un Japon plus austère et plus moderne qu’il dépeint avec des problèmes peut-être plus sombres qu’Ozu aurait pu aborder dans son heydey. De plus, l’approche du jeu d’acteur est beaucoup plus dépouillée pour être aussi naturelle que possible, par rapport à un jeu plus large. Cependant, quelques différences mises à part, il y a cette honnêteté émotionnelle qu’Ozu a apportée à ses chefs-d’œuvre comme Histoire de Tokyo. Le film est actuellement sur le lecteur BFI pour les fans britanniques et se cache sans aucun doute quelque part pour tout le monde. C’est peut-être celui que beaucoup n’ont pas encore rencontré, mais c’est un beau travail. Pour les thèmes décrits, il y a rarement eu quelque chose d’aussi subtile sur le plan artistique. Des performances merveilleuses, une narration nuancée et une bande-son exquise se combinent pour un chef-d’œuvre japonais moderne. Même si cela semble sombre, il ne vous martèle jamais ni ne va pour de grands moments de frappe. Cela vaut pour l’honnêteté.

Tom Jolliffe est un scénariste primé et un cinéphile passionné. Il a un certain nombre de films en DVD / VOD à travers le monde et plusieurs sorties à paraître en 2021, notamment Renegades (Lee Majors, Danny Trejo, Michael Pare, Tiny Lister, Ian Ogilvy et Billy Murray), Crackdown, When Darkness Falls et Guerre des mondes: l’attaque (Vincent Regan). Trouvez plus d’informations sur le meilleur site personnel que vous verrez jamais… https://www.instagram.com/jolliffeproductions/