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La succession de Tom Petty envoie un cesser et s’abstenir à Donald Trump

Nouveau sur Stream: la programmation de Criterion Channel en mai 2020

The Criterion Channel, un service de streaming du distributeur de niche de vidéo à domicile pour les amateurs de cinéma, a dévoilé sa programmation pour le mois de mai, qui comprendra un double long métrage California Dreamin ’avec Steven Soderbergh’s Le Limey et de David Lynch Mulholland Dr., ainsi qu’une large liste de films contemporains et classiques!

CONNEXES: Criterion Collection dévoile les versions de juillet, y compris l’histoire du mariage!

Vendredi 1er mai

Double fonctionnalité: California Dreamin ’

Le Limey et Mulholland Dr.

Avec un commentaire légendaire pour The Limey avec le réalisateur Steven Soderbergh et le scénariste Lem Dobbs

Deux étrangers arrivent à Los Angeles et sont bientôt plongés dans des mystères sinistres qui semblent se dérouler dans des irréalités fracturées et de rêve. C’est là que commencent les similitudes entre le thriller de vengeance hallucinatoire de Steven Soderbergh Le Limey et la panique fébrile de David Lynch sur Hollyweird Mulholland Dr., Qui partagent également une structure de casse-tête brouillée dans le temps, des références visuelles étranges et même un acteur clé. Vus côte à côte, ces néo-noires postmodernes entrent dans un dialogue fascinant qui ne fait qu’améliorer l’air énigmatique qui les entoure.

Samedi 2 mai

Matinée du samedi: le tour du monde en 80 jours

Lauréat de cinq Oscars, dont celui de la meilleure photo, l’épopée grandiose de Michael Anderson fait entrer le roman classique de Jules Verne dans une vie colorée et étoilée. Quand l’Anglais du XIXe siècle pimpant Phileas Fogg (David Niven) fait un pari incroyable qu’il peut faire le tour du globe en quatre-vingt jours, il se lance dans un voyage fantastique avec son valet de chambre (Cantinflas), au cours duquel il rencontre de grandes aventures, des romances, des obstacles sans fin , et des aventures audacieuses au milieu d’une beauté à couper le souffle. Imprégné d’un sentiment d’émerveillement aux yeux écarquillés et de pure joie, le tour du monde en 80 jours est un tour passionnant mettant en vedette des camées de plus de quarante célébrités, dont Marlene Dietrich, Buster Keaton, Charles Boyer, Ronald Colman, Frank Sinatra, Peter Lorre, et Noël Coward.

Dimanche 3 mai

Les aventures de Josh et Benny Safdie dans Moviegoing

Les rois incontestés du cinéma cinétique et à la montée d’adrénaline qui se déroule au rythme bouleversant d’une minute new-yorkaise, Josh et Benny Safdie gardent le public au bord de leurs sièges (et au bord d’une attaque de panique) depuis plus de une décennie avec des études de personnage tourbillonnant comme Gemmes non coupées, Bon temps, et Le ciel sait quoi. Dans cette édition d’Aventures in Moviegoing, les frères s’asseyent pour discuter de tout, de la façon dont l’amour de leur père pour les films a façonné leur éducation (et fait de Dustin Hoffman un papa de substitution) à leur liste détaillée des meilleurs films de New York. (il y en a plusieurs). Les films qu’ils ont choisi de présenter incluent des joyaux de tranche de vie de Mike Leigh (Entre temps) Et Billy Woodberry (Bénis leurs petits coeurs); thrillers graveleux d’Elaine May (Mikey et Nicky) et John Cassavetes (Gloria); et révélations autoréflexives de Krzysztof Kieślowski (Camera Buff) Et Jafar Panahi (Le miroir), Qui reflètent tous l’humanisme constant qui s’inscrit dans le travail du duo.

La ville nue, Jules Dassin, 1948

Dans un endroit solitaire, Nicholas Ray, 1950

Camera Buff, Krzysztof Kieślowski, 1979

Gloria, John Cassavetes, 1980

Bénis leurs petits coeurs, Billy Woodberry, 1984

Entre temps, Mike Leigh, 1984

Fermer, Abbas Kiarostami, 1990

héros, Stephen Frears, 1992

Le miroir, Jafar Panahi, 1997

Lundi 4 mai

Cane River

Première exclusive en streaming, avec un nouveau documentaire avec les acteurs Richard Romain et Tommye Myrick

Écrit, produit et réalisé par le regretté metteur en scène Horace B. Jenkins et conçu par une distribution et une équipe entièrement afro-américaine, ce monument lumineux récemment redécouvert du cinéma indépendant américain est une histoire d’amour charmante et décontractée, socialement incisive qui se déroule dans au cœur de la Louisiane. C’est là qu’une romance interdite entre un écrivain en herbe (Richard Romain) et une femme ambitieuse liée au collège (Tommye Myrick) met à nu les tensions entre deux communautés noires: les riches créoles et les descendants d’esclaves de la classe ouvrière. Avec une cinématographie lyrique et des performances étonnamment naturalistes de ses pistes captivantes, le film Cane River réapparaît grâce à une toute nouvelle restauration de pointe réalisée par Indie Collect et Oscilloscope Laboratories.

Mardi 5 mai

Court métrage +: Freaks et Grecs

Washingtonia et Dogtooth

Laissez les plaisirs particuliers de la vague bizarre grecque vous submerger avec une double dose d’étrangeté brillamment provocante de deux des chefs de file du mouvement cinématographique singulier. sur la fausse nature de Konstantina Kotzamani Washingtonia évoque l’ennui estival dans une Athènes étouffante via une ménagerie de girafes, de coléoptères, de caniches et d’humains mécontents. Cela donne une introduction appropriée à la sensation internationale étonnamment perverse de Yorgos Lanthimos Dogtooth, Qui a présenté au monde l’une des familles les plus démentes et dysfonctionnelles de tout le cinéma.

Mercredi 6 mai

Dans le delta

Le seul film réalisé par l’écrivain, poète et activiste emblématique Maya Angelou est une célébration chaleureuse et richement évocatrice de la famille noire du sud et de la résilience. Alfre Woodard offre une brillante performance en tant que mère toxicomane en déroute vivant à Chicago dont la propre mère l’envoie chez un oncle (Al Freeman Jr.) dans le delta du Mississippi, où elle renoue progressivement avec son héritage et découvre de la force en elle les racines. Avec le sens du détail et le sens aigu du caractère et du lieu de son écrivain, Angelou crée un portrait de famille doux-amer et profondément émouvant qui se classe parmi les joyaux méconnus du cinéma indépendant des années 90. La merveilleuse distribution de soutien comprend Esther Rolle (dans sa dernière apparition au cinéma), Loretta Devine et Wesley Snipes, qui ont également produit.

Jeudi 7 mai

Trois par Tsai Ming-liang

Figure la plus célèbre de la deuxième nouvelle vague du cinéma taïwanais, l’auteur repoussant les limites Tsai Ming-liang trace les contours de l’aliénation contemporaine dans des œuvres hypnotisantes et énigmatiques à la fois rigoureusement éparses et richement sensuelles. S’étendant sur plus de vingt ans, ce trio de certains des films les plus saisissants de Tsai met en vedette son homme principal et alter ego habituel Lee Kang-sheng, qui habite, diversement, un adolescent délinquant qui dérive à travers un désert urbain dans le premier long métrage du réalisateur, Rebelles du dieu néon; un acteur pornographique avec un goût pour la pastèque dans l’extravagance musicale audacieuse et totalement inclassable Le nuage capricieux; et un père qui lutte pour survivre en marge d’un Taipei en décomposition et constamment trempé de pluie à Chiens errants.

Rebelles du dieu néon, 1992

Le nuage capricieux, 2005

Chiens errants, 2013

Vendredi 8 mai

Double fonctionnalité: Mama Drama

Stella Dallas (1925) et Stella Dallas (1937)

Prenez quelques mouchoirs et préparez-vous à célébrer la fête des mères avec deux adaptations en argent du conte classique et déchirant d’Olive Higgins Prouty sur le sacrifice maternel. Tourné pour la première fois en 1925 par le producteur Samuel Goldwyn et le réalisateur Henry King à partir d’un scénario de Frances Marion, l’original Stella Dallas, Avec Belle Bennett, était révolutionnaire dans sa représentation sympathique de la maternité célibataire. Douze ans plus tard, Goldwyn et le réalisateur King Vidor ont mis à jour l’histoire de l’ère du talkie-walkie, ce qui a donné lieu à l’un des mélodrames les plus aimés et les plus émouvants de tous les temps, avec une Barbara Stanwyck déchirante comme la fille de l’ouvrier grossier déterminée à donner à son propre enfant un meilleure vie.

Samedi 9 mai

Matinée du samedi: Bonjour

Un regard léger sur le thème éternel du réalisateur Yasujiro Ozu sur les défis des relations intergénérationnelles, Bonjour raconte l’histoire de deux jeunes garçons qui cessent de parler pour protester après que leurs parents ont refusé d’acheter un téléviseur. Ozu tisse une richesse de gags subtils à travers un portrait de famille aussi riche que ceux de ses films dramatiques, se moquant des faiblesses du monde adulte à travers les yeux de ses enfants protagonistes. Tournée dans des couleurs magnifiques et se déroulant dans une banlieue de Tokyo où les femmes au foyer bavardent sur la nouvelle machine à laver des voisins et les maris au chômage cherchent du travail en tant que vendeurs de porte à porte, cette charmante comédie revisite le propre classique silencieux d’Ozu, I Was Born, But. . . pour satiriser doucement le consumérisme dans le Japon d’après-guerre.

Dimanche 10 mai

Saul Bass fête ses 100 ans!

Il y avait des séquences de titres avant Saul Bass, et il y avait des séquences de titres après Saul Bass. Le légendaire graphiste, né il y a 100 ans le 8 mai, a révolutionné l’art du cinéma avec son ouverture révolutionnaire à Otto Preminger. L’homme au bras d’or, Utilisant des éléments de conception étonnamment minimalistes pour visualiser le thème explosif de la toxicomanie. Au cours des quarante prochaines années, Bass utiliserait des techniques allant de l’animation (Le tour du monde en 80 jours, Ocean’s 11) pour vivre l’action (Promenade sur le côté sauvage, Grand Prix) à l’expérimentation d’avant-garde (Secondes) à la photographie en accéléré (L’âge de l’innocence) pour créer certaines des séquences de titres les plus éblouissantes de tous les temps, des œuvres d’art miniatures qui non seulement donnent le ton au film, mais qui aident souvent à raconter l’histoire elle-même. Bien qu’il n’ait réalisé qu’un seul long métrage: le voyage de tête de science-fiction visuellement époustouflant Phase IV—Bass a laissé un héritage largement influent comme l’un des artistes cinématographiques les plus innovants du XXe siècle.

Le grand couteau, Robert Aldrich, 1955

L’homme au bras d’or, Otto Preminger, 1955

Autour du monde en 80 jours, Michael Anderson, 1956

Storm Center, Daniel Taradash, 1956

Bonjour tristesse, Otto Preminger, 1958

Le grand pays, William Wyler, 1958

Cow-boy, Delmer Daves, 1958

Anatomie d’un meurtre, Otto Preminger, 1959

Les faits de la vie, Melvin Frank, 1960

Ocean’s 11, Lewis Milestone, 1960

Quelque chose de sauvage, Jack Garfein, 1961

West Side Story, Robert Wise et Jerome Robbins, 1961 *

Marcher sur le côté sauvage, Edward Dmytryk, 1962

C’est un monde fou, fou, fou, fou, Stanley Kramer, 1963

Bunny Lake est manquant, Otto Preminger, 1965

grand Prix, John Frankenheimer, 1966 *

Secondes, John Frankenheimer, 1966

Phase IV, Saul Bass, 1974

Le facteur humain, Otto Preminger, 1979

L’âge de l’innocence, Martin Scorsese, 1993

Lundi 11 mai

Les documentaires de Louis Malle

Au cours d’une carrière de près de quarante ans, Louis Malle s’est forgé la réputation d’être l’un des conteurs cinématographiques les plus polyvalents au monde, avec des chefs-d’œuvre aussi largement acclamés et variés que Ascenseur à la potence, Mon dîner avec André, et Au revoir les enfants. Dans le même temps, cependant, avec moins de fanfare, Malle créait un corpus parallèle, encore plus personnel, de réalisateur de documentaires. Avec l’œil perspicace d’un véritable artiste et les compétences d’investigation d’un grand journaliste, Malle nous emmène d’un coin de rue à Paris au cœur de l’Amérique aux étendues de l’Inde dans son épopée étonnante Phantom India. Ce sont quelques-uns des films de fiction les plus intéressants et fascinants jamais réalisés.

Vive le Tour, 1962

Phantom India, 1969

Calcutta, 1969

Humain, trop humain, 1973

Place de la République, 1974

Pays de Dieu, 1985

. . . Et la poursuite du bonheur, 1986

Mardi 12 mai

Short + Feature: Youthquakes

Tremblements et Les ajustements

L’anxiété de l’adolescent se déchaîne de façon étrange et troublante dans deux visions hallucinatoires qui donnent une forme physique à l’expérience psychique de l’angoisse chez les adolescents. Dans son court métrage primé Tremblements, Le réalisateur Dawid Bodzak explore les mystères de l’adolescence masculine à travers un portrait énigmatique d’un skateur dont l’agitation intérieure semble exploser vers l’extérieur lors d’attaques soudaines qui le secouent littéralement. Un phénomène tout aussi troublant envahit une équipe de danse féminine dans le superbe premier long métrage d’Anna Rose Holmer, Les ajustements, Qui fusionne un son et un mouvement hypnotisants pour créer un paysage de rêve viscéral de la maturité.

Mercredi 13 mai

Ça sentait l’amour

Avec une introduction de la réalisatrice Eliza Hittman et deux de ses premiers courts métrages

Comme son dernier film, le lauréat du Sundance 2020 et du prix de Berlin Never Rarely Parfois Always, recueille les éloges de la critique, la chaîne Criterion revisite le premier long métrage révélateur de la réalisatrice Eliza Hittman. Au cours d’un été languissant dans le sud de Brooklyn, ce récit sans faille honnête et rafraîchissant de l’exploration sexuelle et de l’éveil se concentre sur Lila (Gina Piersanti, dans un début remarquable), une fille solitaire de quatorze ans qui se pousse dans l’effroi et nouveau territoire dangereux dans une quête pour faire l’expérience de l’amour. Avec un oeil pour des images évocatrices et riches en sensations, Hittman offre une nouvelle vision vivifiante et étonnamment intime du drame de la maturité.

Fonctionnalité

Ça sentait l’amour, 2013

Short

Deuxième cousin une fois retiré, 2010

Forever va commencer ce soir, 2011

Jeudi 14 mai

Courts métrages des Quay Brothers

Deux des cinéastes les plus brillamment originaux du monde, les jumeaux identiques Stephen et Timothy Quay ont, au cours de plus de quatre décennies, amassé un culte énorme pour leur mélange visionnaire de marionnettes et d’animation en stop-motion. Peut-être surtout connu pour son classique gothique Rue des crocodiles, The Quays affiche une passion pour le détail, une maîtrise à couper le souffle de la couleur et de la texture, et une utilisation étrange de la mise au point et du mouvement de la caméra qui unissent leurs œuvres sombre et surréaliste, merveilleusement macabres. Maîtres de la miniaturisation, ils ont créé un univers inoubliable sur leurs minuscules décors, évoquant un paysage de rêves d’enfance longtemps réprimés.

Le Cabinet de Jan Švankmajer, 1984

Ce petit balai innommable, 1985

Rue des crocodiles, 1986

Répétitions pour les anatomies disparues, 1987

Stille Nacht I: Dramolet, 1988

Stille Nacht III: Contes des bois de Vienne, 1992

Stille Nacht IV: vous ne pouvez pas vous tromper sans vous, 1993

Le peigne, 1990

Anamorphose, 1991

In Absentia, 2000

Le musée fantôme, 2003

Vendredi 15 mai

Double fonctionnalité: Knockout!

Plus ils tombent fort et Taureau furieux

Humphrey Bogart et Robert De Niro ne tirent aucun coup de poing dans deux des meilleurs drames de boxe les plus percutants jamais réalisés. Tout d’abord, Bogie livre sa puissante performance finale en tant qu’écrivain sportif entraîné dans le ventre corrompu de la raquette de combat dans le noir graveleux Plus ils tombent fort. Ensuite, De Niro est un physique brut incarné en tant que boxeur autodestructeur Jake LaMotta dans Martin Scorsese. Taureau furieux, Une vision fulgurante de la masculinité torturée qui représente peut-être l’apogée de l’une des plus grandes collaborations acteur-réalisateur du cinéma.

Samedi 16 mai

Matinée du samedi: Le garçon aux cheveux verts

L’un des films les plus uniques et les plus excentriques à sortir d’Hollywood de l’époque du studio, cette fable sincère raconte l’histoire teintée de surnaturel de Peter (un jeune Dean Stockwell), un orphelin de guerre qui trouve un refuge dans une petite ville d’Amérique. . . jusqu’au jour où il se réveille pour constater que ses cheveux sont devenus inexplicablement verts. Bien que ridiculisé par ses camarades de classe et les habitants de la ville, Peter se rend vite compte qu’il y a du pouvoir à être différent. Un appel passionné à la tolérance et une célébration inspirante de l’individualité, Le garçon aux cheveux verts comprend un casting superlatif (y compris Robert Ryan et Pat O’Brien), une chanson thème à succès («Nature Boy») de Nat King Cole, et la direction généralement inspirée de Joseph Losey, faisant ses débuts.

Dimanche 17 mai

Écrit par Frances Marion

Avec Sans mentir: Frances Marion et le pouvoir des femmes à Hollywood, un long métrage documentaire réalisé par Bridget Terry

Pendant près de trois décennies, Frances Marion a été la scénariste la mieux payée d’Hollywood (homme ou femme), une pionnière qui a façonné l’art naissant de l’écriture de scénarios et dont l’imagination apparemment sans limites a produit certains des mots et des histoires les plus inoubliables jamais mis à l’écran. À l’instar de ses collègues pionnières Lois Weber, Dorothy Arzner et Anita Loos, Marion a été attirée par Hollywood à une époque où les femmes pouvaient encore se tailler une place dans l’industrie cinématographique en plein essor, s’imposant comme une écrivaine (et réalisatrice occasionnelle) à succès. sa meilleure amie Mary Pickford. La meilleure scénariste de MGM à la fin des années 1920 et au début des années 1930, Marion a écrit des classiques comme Le vent, Anna Christie, La grande maison, Le champ, Min et Bill, et Dîner à huit pour des stars telles que Lillian Gish, Greta Garbo, Marie Dressler, Wallace Beery et Jean Harlow, devenant ainsi le premier écrivain à remporter deux Oscars. Bien que sa polyvalence remarquable lui permette de passer facilement entre des adaptations littéraires acclamées, des comédies étincelantes et des drames criminels granuleux, la perspicacité de Marion dans la nature humaine transcende le genre et rend son travail unique et intemporel.

Stella Dallas, Henry King, 1925

La lettre écarlate, Victor Sjöström, 1926

La victoire de Barbara Worth, Henry King, 1926

Le vent, Victor Sjöström, 1928

Leur propre désir, E. Mason Hopper, 1929

Anna Christie, Clarence Brown, 1930

La grande maison, George Hill, 1930

Min et Bill, George Hill, 1930

Le champ, King Vidor, 1931

Blondie des folies, Edmund Goulding, 1932

Cynara, King Vidor, 1932

Dîner à huit, George Cukor, 1933

Secrets, Frank Borzage, 1933

Racaille, J. Walter Ruben, 1936

Chevalier sans armure, Jacques Feyder, 1937

Sans se coucher: Frances Marion et le pouvoir des femmes à Hollywood, Bridget Terry, 2000

Lundi 18 mai

Investigation of a Citizen Above Suspicion: Criterion Collection Edition # 682

Le réalisateur italien provocateur Elio Petri dont l’œuvre est la plus reconnue à l’échelle internationale est ce thriller remarquable, viscéral et oscarisé. Petri maintient un équilibre délicat entre l’absurdité et le réalisme en racontant l’histoire kafkaïenne d’un inspecteur de police romain (un commandant Gian Maria Volonté) enquêtant sur un crime odieux – qu’il a lui-même commis. À la fois une étude de caractère convaincante et un commentaire troublant sur les répressions draconiennes du gouvernement en Italie à la fin des années 1960 et au début des années 70, le portrait cinétique de Petri de la bureaucratie surréaliste est un rendu perversement agréable d’un chaos contrôlé. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Une entrevue d’archives avec Petri; Elio Petri: Notes About a Filmmaker, un documentaire sur la carrière du réalisateur; un documentaire sur Volonté; et plus.

Mardi 19 mai

Court métrage +: Fassbinder et ses amis

Angst isst Seele auf et Ali: la peur mange l’âme

Trente ans après sa sortie, les puissants thèmes antiracistes du chef-d’œuvre sirkien de Rainer Werner Fassbinder Ali: la peur mange l’âme continuent de résonner dans un court métrage à la fois percutant et poétique. Tourné avec une immédiateté frappante par une caméra subjective, Shahbaz Noshir Angst isst Seele auf adopte le point de vue d’un acteur noir en Allemagne confronté à des abus racistes alors qu’il s’apprête à apparaître dans une pièce basée sur le film de Fassbinder, sur la relation taboue entre une femme allemande plus âgée et un homme arabe. Partageant la même actrice principale (Brigitte Mira), directeur de la photographie (Jürgen Jürges) et monteur (Thea Eymèsz), ces œuvres jumelles offrent une inculpation brûlante des préjugés au sein de la société allemande.

Mercredi 20 mai

Trois par Diane Kurys

Avec une entrevue d’archives avec Kurys

Au cours d’une carrière s’étendant sur cinq décennies, la cinéaste française Diane Kurys a extrait la matière première de sa propre vie et de son histoire familiale pour créer des portraits richement réalisés de relations féminines débordantes d’esprit et de chaleur. Cette sélection présente ses débuts effervescents, Soda à la menthe poivrée, Un conte autobiographique doucement comique de deux sœurs qui arrivent à maturité dans le Paris des années 1960; son drame nominé aux Oscars Entre nous, L’histoire douce-amère d’une amitié intime entre deux femmes dans la France d’après-guerre basée sur la vie de sa propre mère et mettant en vedette Isabelle Huppert; et Enfants du siècle, Une romance somptueuse avec Juliette Binoche dans le rôle de l’écrivain iconoclaste George Sand. Bien qu’elle soit souvent négligée dans le panthéon des grands auteurs français contemporains, Kurys réalise des films qui parviennent à être à la fois profondément personnels et universellement résonnants.

Soda à la menthe poivrée, 1977

Entre nous, 1983

Enfants du siècle, 1999

Jeudi 21 mai

The Age of Innocence: Criterion Collection Edition # 913

Aucun cinéaste ne capture la grandeur et l’énergie de New York comme Martin Scorsese. Avec cette somptueuse romance, il a méticuleusement adapté le travail d’une autre grande artiste new-yorkaise, Edith Wharton, donnant vie à son roman tragique situé dans le monde cloîtré de Gilded Age Manhattan. L’âge de l’innocence raconte l’histoire de Newland Archer (Daniel Day-Lewis), dont l’engagement envers une mondaine innocente (Winona Ryder) le lie aux codes et aux rituels de son éducation. Mais lorsque sa cousine (Michelle Pfeiffer) arrive en ville sur une vague de scandale après s’être séparée de son mari, elle enflamme des passions à Newland dont il ignorait l’existence. Gonflé avec des détails d’époque exquis, ce film est un regard alternativement déchirant et satirique sur la brutalité de l’Amérique du vieux monde. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: entrevues avec Scorsese, la coscénariste Jay Cocks, la conceptrice de production Dante Ferretti et la costumière Gabriella Pescucci; Innocence and Experience, un documentaire sur la réalisation du film; et plus.

Vendredi 22 mai

Double fonctionnalité: un héritage et un point de repère

Perdre du terrain et La cicatrice de la honte

Le monument indépendant de Kathleen Collins Perdre du terrain est un portrait lumineux et brillamment perspicace d’un mariage à la croisée des chemins et du réveil émotionnel d’une femme. L’un des premiers films à explorer le désir des femmes noires avec nuance et complexité philosophique, il contient une allusion clé à l’actrice Pearl McCormack et à son rôle dans le film de course de 1927 La cicatrice de la honte, Un mélodrame silencieux fascinant qui, comme Perdre du terrain, Aborde des questions de classe et de mobilité sociale afro-américaine. Réalisées à plus de cinquante ans d’intervalle, ces œuvres de pierre de touche – autrefois négligées, maintenant chéries – témoignent d’une riche contre-histoire du cinéma noir qui s’étend sur plusieurs générations.

Samedi 23 mai

Matinée du samedi: Black Beauty

Le roman classique d’Anna Sewell sur le lien entre un garçon et son cheval reçoit une adaptation d’écran agitée et bien montée, avec des paysages spectaculaires et un sens de l’aventure vivant. Quand Beauté noire, le cheval bien-aimé qu’il a élevé depuis sa naissance, lui est enlevé par un écuyer cruel, le jeune Joe (Mark Lester d’Oliver! gloire) est déterminé à se retrouver un jour. Pendant ce temps, Black Beauty est passé entre les mains de divers maîtres dans une série d’exploits lointains qui le mènent d’un cirque espagnol aux champs de bataille de l’Inde et au-delà. Magnifiquement tourné au milieu de la splendeur naturelle de l’Irlande et de l’Espagne, Beauté noire est un voyage divertissant à couper le souffle qui offre une perspective émouvante sur la relation entre les humains et les animaux.

Dimanche 24 mai

Dites-moi: femmes cinéastes, histoires de femmes

Avec une conversation entre la programmatrice invitée Nellie Killian et l’actrice Jenny Slate, ainsi qu’une conversation sur le collectif de réalisateurs New Day Films

En 1979, la poète Adrienne Rich a observé que «l’un des catalyseurs sociaux et politiques les plus puissants de la dernière décennie a été de parler des femmes avec d’autres femmes, de raconter nos secrets, de comparer les blessures et de partager les mots». Organisée par la programmatrice invitée Nellie Killian, Tell Me rend hommage aux cinéastes féminines qui ont franchi le pas simple et radical de laisser aux femmes l’espace et le temps pour parler de leur vie. Réalisés dans une gamme d’idiomes englobant le cinéma vérité, le film d’essai et l’agitprop, ce que les films assemblés partagent tous est une étonnante intimité entre la caméra et le sujet. Que ce soit à travers des liens d’expérience partagée ou simplement un véritable intérêt, ces portraits capturent des femmes qui parlent de traumatisme et d’identité sexuelle, invoquant un nouveau langage pour décrire les injustices et les frustrations qui couvent depuis longtemps encore aujourd’hui, faisant des blagues, admettant des insécurités et organisant la avenir. Mettant en vedette des films de Chantal Akerman, Barbara Hammer, Camille Billops, Chick Strand, Yvonne Rainer, Joyce Chopra, Vivienne Dick, Su Friedrich, et plus encore, cette section transversale du cinéma féministe témoigne de la perspicacité de Rich qui «afin de changer ce qui est, nous devons parler de ce qui a été, imaginer ensemble ce qui pourrait être. »

Grandir femme, Julia Reichert et Jim Klein, 1971

Janie’s Janie, Geri Ashur, Peter Barton, Marilyn Mulford et Stephanie Pawleski, 1971

Betty raconte son histoire, Liane Brandon, 1972

Cela nous arrive, Amalie R. Rothschild, 1972

Joyce à 34 ans, Joyce Chopra, 1972

Yudie, Mirra Bank, 1974

Chris et Bernie, Bonnie Friedman et Deborah Shaffer, 1976

Guerillère parle, Vivienne Dick, 1978

Inside Women Inside, Christine Choy et Cynthia Maurizio, 1978

Fiction douce, Chick Strand, 1979

Dis moi, Chantal Akerman, 1980

Je suis wanda, Katja Raganelli, 1980

Cordes à linge, Roberta Cantow, 1981

Land Makar, Margaret Tait, 1981

Public, Barbara Hammer, 1982

Suzanne, Suzanne, Camille Billops et James Hatch, 1982

Les liens qui unissent, Su Friedrich, 1985

Conversations avec des intellectuels à propos de Selena, Lourdes Portillo, 1999

Privilège, Yvonne Rainer, 1990

Les mines de sel, Susana Aiken et Carlos Aparicio, 1990

La transformation, Susana Aiken et Carlos Aparicio, 1995

Mimi, Claire Simon, 2003

Pas de film à la maison, Chantal Akerman, 2015

Lit de fortune, Leilah Weinraub, 2018

Lundi 25 mai

Le Havre: Criterion Collection Edition # 619

Dans ce fil comique chaleureux d’Aki Kaurismäki, le destin jette le jeune réfugié africain Idrissa (Blondin Miguel) sur le chemin de Marcel Marx (André Wilms), un bon vieux bohème qui fait briller des chaussures pour vivre dans la ville portuaire française du Havre. Avec un optimisme inné et le soutien de sa communauté soudée, Marcel tient tête aux fonctionnaires poursuivant obstinément le garçon pour l’expulsion. Un conte de fées politique qui se situe quelque part entre la réalité de la France contemporaine et le cinéma français classique du passé, Le Havre est un délice charmant et impassible et l’un des meilleurs films du réalisateur finlandais. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Entrevues avec des membres de la distribution et de l’équipe et images de concert de Little Bob, le musicien présenté dans le film.

Mardi 26 mai

Court métrage +: ce qu’une femme veut

Le champ et L’étoile couverte de nuages

Deux femmes aspirent à l’épanouissement au milieu des inégalités patriarcales de la société indienne dans ces explorations subversives et visuellement sublimes des attentes traditionnelles en matière de genre. Magnifiquement à l’écoute des émotions du monde naturel, le short sensuel de Sandhya Suri Le champ plonge le spectateur dans le monde d’une pauvre ouvrière agricole menant une double vie en dehors de son mari. Ses thèmes féministes résonnent dans le ravissant chef-d’œuvre de mélodrame de Ritwik Ghatak L’étoile couverte de nuages, Dans laquelle une jeune femme sacrifie ses propres rêves et désirs pour les besoins de sa famille.

Mercredi 27 mai

Trois par Nicole Holofcener

Avec une nouvelle introduction par Holofcener

Dans ses comédies intelligentes, mordantes et hilarantes et profondément empathiques, Nicole Holofcener propose des représentations rafraîchissantes et nuancées de femmes complexes et imparfaites dont la sophistication extérieure dément leur vie personnelle dysfonctionnelle, souvent désastreuse. Présentant tous sa collaboratrice habituelle Catherine Keener, ce trio de favoris d’Holofcener — le portrait de famille tranché Charmant et incroyable, La comédie de classe méchante Amis avec de l’argentEt la satire sombre et drôle de la culpabilité libérale blanche S’il vous plait donnez—Affiche les caractérisations richement réalisées, les relations trop réelles et les aperçus tranchants des privilèges et des angoisses bourgeoises qui ont fait de l’écrivain-réalisateur l’un des observateurs les plus acerbes de la folie humaine du cinéma contemporain.

Charmant et incroyable, 2001

Amis avec de l’argent, 2006

S’il vous plait donnez, 2010

Jeudi 28 mai

Trois de Jacques Rivette

Avec un extrait d’un profil de 1994 de Rivette réalisé par Claire Denis pour la série Cinéastes de notre temps

Tentaculaires, labyrinthiques et obsédés par les symboles cryptiques, les complots et les indices, les films du titan français de la Nouvelle Vague Jacques Rivette se déroulent comme des puzzles épiques à choisir soi-même qui vous entraînent toujours plus profondément dans leurs trous de lapin mystérieux et bouclés. Avec son étude alléchante sur la désillusion d’après-guerre Paris nous appartient, Le fantasme de la comédie en roue libre Céline et Julie vont faire du bateau, Et le portrait fascinant de l’obsession artistique La belle noiseuse, Cet échantillonneur rivettien s’étend sur trois décennies (et près de dix heures combinées) dans la carrière d’un maître pour qui le cinéma a été un jeu de surprise et de découverte.

Paris nous appartient, 1961

Céline et Julie vont faire du bateau, 1974

La belle noiseuse, 1991

Vendredi 29 mai

Double fonctionnalité: Tramps et Scamps

L’enfant et Histoires de trottoir

En 1921, l’immortel Little Tramp de Charlie Chaplin fait équipe avec le ragamuffin streetwise de Jackie Coogan dans L’enfant, Et l’un des meilleurs matchs d’écran de tous les temps était né. Près de soixante-dix ans plus tard, le scénariste-réalisateur-acteur Charles Lane a rendu hommage au classique de Chaplin dans le Histoires de trottoir, Qui met à jour les prémisses d’un artiste noir vivant dans les rues de New York des années 1980 qui devient le gardien d’un jeune orphelin. En préservant l’élégante invention du slapstick et la force poignante de la vision de Chaplin, Lane infuse l’histoire avec un nouveau sens du réalisme et de la conscience sociale pour créer l’un des miracles méconnus du cinéma indépendant des années 80.

Samedi 30 mai

Matinée du samedi: Little Fugitive

L’un des films les plus influents et les plus enchanteurs du cinéma indépendant américain, cette fable charmante et stylistiquement innovante capture poétiquement les joies et les merveilles de l’enfance. Lorsque Joey (Richie Andrusco), âgé de sept ans, est amené à croire qu’il a tué son frère aîné, il rassemble ses maigres possessions et s’enfuit au pays des merveilles de New York: Coney Island. Sur et sous la promenade bondée, Joey vit une journée et une nuit remplies d’aventures et de mystères, capturés dans un style semi-documentaire révolutionnaire, rafraîchissant, spontané et complètement délicieux. Vainqueur du Lion d’argent au Festival du film de Venise de 1953, Little Fugitive éclate avec une inventivité en roue libre qui va continuer à influencer à la fois la Nouvelle Vague française (en particulier François Truffaut, qui l’a citée comme une référence clé pour Les 400 coups) et une génération des cinéastes américains de bricolage.

Dimanche 31 mai

Avec Jackie Chan

Avec une nouvelle interview de Grady Hendrix, auteur et cofondateur du Festival du film asiatique de New York

Mariant la comédie physique casse-cou de Buster Keaton avec la maîtrise des arts martiaux de Bruce Lee, Jackie Chan est une icône internationale dont le travail cascadeur et la grâce acrobatique impressionnants ont établi une nouvelle norme pour le spectacle d’action. Travaillant à travers l’industrie du film de Hong Kong des années 1970 en tant que cascadeur, Chan a atteint la célébrité en combinant sa chorégraphie de combat passionnante avec le chaos slapstick dans les premiers véhicules comme Half a Loaf of Kung Fu et Spiritual Kung Fu. Faisant le saut au réalisateur avec The Fearless Hyena et The Young Master, Chan s’est lancé dans une série éblouissante de succès des années 1980 qui ont culminé avec Police Story et sa suite, des mégahits à succès dans lesquels ses décors à la montée d’adrénaline qui défient la mort et atteignent de nouveaux sommets. virtuosité vertigineuse.

Une demi-miche de Kung Fu, Chen Chi-hwa, 1978

Spiritual Kung Fu, Lo Wei, 1978

The Fearless Hyena, Jackie Chan, 1979

The Young Master, Jackie Chan, 1980

Fearless Hyena 2, Chan Chuen, 1983

My Lucky Stars, Sammo Hung, 1985

Police Story, Jackie Chan, 1985

Police Story 2, Jackie Chan, 1988

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Originally posted 2020-04-22 20:40:15.