Interview de Kris Pearn sur le style d’animation unique des Willoughby – / Film

Il y a quelque chose Les Willoughbys, Le nouveau film familial animé par Netflix basé sur le livre pour enfants de Lois Lowry, qui a l’air un peu démodé. Mais directeur Kris Pearn ne me dérange pas. En fait, c’était son intention. Jusqu’aux cheveux rouge vif qui ressemblent à des fils qui recouvrent la tête des enfants de Willoughby, les protagonistes intrépides de l’aventure familiale, au mouvement de caractère nerveux qui imite l’animation en stop-motion, Pearn veut utiliser l’animation par ordinateur comme un outil pour donner au filmer la même sensation que les films d’animation 2D et stop-motion.

« J’ai commencé ma carrière d’animateur 2D », a déclaré Pearn / Film dans une interview téléphonique. «Et je pense que pour moi, l’artisanat de la forme d’art d’animation est souvent moins, c’est plus. L’ordinateur fonctionne «vraiment» très bien et donc l’une des astuces pour essayer de le faire sentir à la main est de l’utiliser comme un outil. »

/ Le film a parlé à Pearn pour parler de Les Willoughbys, comment il a abordé une «histoire à l’ancienne» qui semble sortir tout droit d’un livre de Roald Dahl, et ce qu’un film d’animation élégant et inventif comme le sien pourrait signifier pour l’avenir de l’animation CG.

Qu’est-ce qui vous a poussé à faire une adaptation de Lois Lowry Les Willoughbys?

Oh, c’était en 2015 et j’ai rencontré le producteur Luke Carroll. Et je faisais un projet ici en Californie et il venait de choisir le livre et Ricky Gervais était en fait déjà attaché. Il y avait donc un peu d’élan dans le projet. Mais je pense que pour moi, quand j’ai lu le livre, ce que j’ai vraiment aimé, c’est à quel point Lois Lowry était subversif à propos des tropes de la littérature pour enfants et cette idée de se moquer, je pense que certaines des choses que nous prenons pour accordée quand il s’agit de ce genre de narration. Donc, quand je l’ai replacé, mon pitch d’ascenseur était, vous savez, si nous prenions Grey Gardens entré en collision avec Développement arrêté pour les enfants? Et ils ont immédiatement sauté sur cela et ils ont pensé que c’était quelque chose à essayer.

Pour moi, je pense que cette idée d’une histoire subversive que nous avons pivoté de la littérature pour enfants au film pour enfants, mais en quelque sorte, [it’s] essayant de ne pas parodier d’autres films. Vous savez, cela a été fait avec beaucoup de succès dans le passé, mais pour raconter une histoire [about] l’indépendance des enfants dans des situations délicates, mais toujours trouver une sorte d’optimisme et d’humour et leur voyage, puis utiliser les tropes d’animation comme un moyen de développer une sensation vraiment amusante.

Et les tropes dont vous parlez, sont-ils un peu comme ces idées démodées qui proviennent, par exemple, d’un livre de Roald Dahl?

Absolument. Et comme ne pas vraiment tirer des coups de poing, la façon dont Roald Dahl regardait toujours le monde du point de vue de ces enfants, qui est un peu plus grand que nature et extrême. Il suffit de trouver de l’humour chez les méchants et de regarder le monde. De mauvaises choses peuvent arriver. Mais en trouvant le fonds dans la façon dont les personnages entrent et sortent des situations. J’aime ça. C’est vraiment moelleux, ce qui rend ces choses.

Ouais, je dois dire que j’ai été un peu surpris en regardant le film à quel point il faisait noir. Mais ils avaient ce genre d’obscurité macabre où c’était un peu ironique et vous le voyez du point de vue des enfants où ce n’est pas aussi effrayant que pour les adultes qui le regardent. Alors, comment avez-vous aimé trouver cet équilibre avec certains des moments les plus sombres qui sont plus communs avec ces histoires anciennes et les apporter à un public moderne?

L’une des choses que j’ai faites, lorsque j’ai commencé à explorer le style visuel du film, je me suis associé à un de mes amis que je connais depuis des années, Kyle McQueen, il est le concepteur de la production. Je voulais vraiment sous-estimer les thèmes les plus sombres ou les idées les plus épineuses de l’histoire avec la permission d’être une comédie et cette idée de faire en sorte que le monde se sente toujours amusant, brillant et texturé. C’était vraiment important, je pense que de maintenir ce ton.

Et donc l’idée de faire de ce conte un chat et de me pencher sur ce point de vue où tout semble un peu miniature, je pense pour moi de façon créative ce que cela nous permet de toujours être dans une sorte d’espace « il était une fois ». Le film a donc toujours été ressenti comme une parabole. Ce n’était pas un documentaire, nous ne voulions pas que ce soit un documentaire. Et je pense que pour moi, c’est quoi – quand vous lisez un livre de Roald Dahl et que vous avez les illustrations de Quentin Blake – il y a toujours quelque chose de drôle dans l’obscurité et je pense que cela lui permet de faire son message et d’avoir sa conversation avec le public. C’était donc ce qui était vraiment important: de l’animation, du mouvement à la façon dont la musique est construite. [Composer] Mark Mothersbaugh a toujours veillé à ce que les parents ne se sentent pas comme les méchants. Les méchants ont l’air de rentrer de la guerre et c’est un score de Guy Lombardo / Benny Goodman. Donc, fondamentalement, le fait que la maison optimiste sape certaines des choses les plus sombres, ce qui, je pense, rend le film plus intéressant d’une manière amusante.

En parlant de la texture du film, cela a un style d’animation unique. Avec Netflix intensifiant son jeu avec des films d’animation CG comme Klaus et maintenant Les Willoughbys, quelle était votre vision lorsque vous avez créé ce style d’animation pour Les Willoughbys?

J’ai commencé ma carrière d’animateur 2D. Et je pense que pour moi, l’artisanat de la forme d’animation artistique est souvent moins c’est plus. L’ordinateur fonctionne très «vraiment» et donc l’une des astuces pour essayer de le faire sentir à la main est de l’utiliser comme un outil, à partir des choix de caméra – comme quand les enfants sont à la maison, je veux vraiment que ça ressemble à une sitcom donc nous réutilisons les configurations de caméra et [didn’t move the] caméra à moins que nous ne devions vraiment le faire, et cela nous a donné ce genre de sentiment miniature. Et puis en combinant cela avec un style d’animation qui est vraiment pose-à-pose. Ce que je veux dire par là, c’est que jadis nous dessinions sur du papier, parce que vous savez, les gens dessinaient ces choses à la main. Nous dessinerions des poses clés puis d’autres artistes la rempliraient. Je voulais donc vous approcher pour savoir comment nous regardions le style d’animation de ce point de vue posant.

Cela va sembler mécanique, mais quand nous faisions même remarquer l’animation, nous notions le déblocage très tôt et essayions vraiment de faire attention à la façon dont ces poses fonctionnent. Et puis cela nous a permis de vraiment distiller et résumer comment le mouvement des personnages a ajouté à leur personnalité afin que nous puissions vraiment tirer des idées. Comme Tim est un enfant qui a probablement grandi de sept pouces au cours des deux derniers mois et ne connaît pas son propre corps, mais il essaie d’être un adulte. Et donc nous lui avons donné ce genre de posture de John Cleese. Tout cela a été pris dans la collision de la réduction du mouvement. Additionner avec les textures qui [production designer] La création de Kyle McQueen nous donne un style intéressant, qui est en quelque sorte entre le stop motion et l’animation 2D classique.

En fait, je remarque assez le style stop-motion comme ce genre de mouvement presque staccato, comme une nervosité à une partie du mouvement. Et j’ai vraiment apprécié cet aspect. J’ai l’impression que vous en avez quelque peu parlé, mais comment avez-vous réalisé ce genre de mouvement dans une animation CG?

Il s’agit simplement de retirer des choses. Nous n’avions donc pas de flou de mouvement. Lorsque nous avons nos poses clés – disons que vous aviez comme le cadre un et le cadre 12 – avec l’ordinateur, normalement vous remplissez les 10 cadres entre un et 12. Et nous le faisons simplement remplir tous les autres cadres. Si vous avez regardé les anciennes animations Disney comme Le livre de la jungle ou 101 Dalmatiens ou qu’avez-vous, beaucoup d’entre eux sont animés par deux. Et pour que cela lui donne cet aspect et cette sorte de bord de votre persévérance visuelle. Vous ne voyez donc pas tout à fait le staccato, mais il est là. Et je pense que cela leur donne une sensation vraiment intéressante. Ensuite, nous l’accentuons parfois aussi, comme si vous voyez une scène où il y a un feu en arrière-plan, nous mettons le feu à trois ou quatre. Et donc pendant que les personnages se déplacent sur deux, vous avez cet élément qui ressemble à une sorte de superposition. Si vous regardez l’ancien stop-motion [movies] aime un Le cauchemar avant Noël, où ils enroulent le film, puis le tournent à nouveau à demi-exposition, par exemple, le chien fantôme. Je voulais que les effets se fassent de cette façon. Et donc finalement, avoir un timing différent pour les effets des personnages vous donne l’impression que le film a été annulé et re-tourné à nouveau. Je pense que de façon subliminale, cela se ressent en quelque sorte, même si nous ne faisons que tromper un ordinateur.

Selon vous, quelles seraient les plus grandes influences esthétiques sur ce film? Parce que je sais que tu as parlé Grey Gardens se rencontre Développement arrêté pour l’intrigue, mais il semble que vous ayez puisé dans toutes sortes d’animations différentes comme le stop-motion et l’animation 2D pour créer le look unique de ce film.

Je pense que c’est drôle parce que je pense que souvent lorsque vous faites un film, les points de référence sont un peu plus réels. Et comme, vous savez, par exemple, la maison Willoughby est un musée dans ma ville natale de London, en Ontario, qui est une famille coloniale qui a collecté tous ces artefacts du monde entier. C’est comme si les gens partaient pour la guerre des Boers, ou comme dans différents endroits où l’empire britannique s’étendait et rapportait tout ça. Et cela a eu une énorme influence sur la maison. Cette idée du lieu de Willoughby qui n’est pas la maison, mais un musée, qui est venue d’observations de l’endroit où j’habitais à l’époque. Je pense que l’idée de faire bouillir les trucs et ces choix de conception, tous ceux-là viennent de l’endroit où nous coulons. Nous avons embauché Craig Kellman en tant que concepteur de personnage principal, donc ses influences viennent de l’idée de réduire le travail en ligne et de raconter autant d’histoires avec le moins de forme possible. Je pense que tout cela a été intégré dans le style que nous avons créé, mais il y avait certainement beaucoup de regard autour du monde et d’essayer de m’assurer [our animation] était clair et honnête sur ce dont les personnages avaient besoin.

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